Exposiciòn arte

En mi exposición, quiero plantear a base de algo muy explicito y en video, el hecho de como el amor tiene otra faceta, que a base de su ausencia puede provocarlo a todo quien lo tiene dolo.
El amor lo represntare con la musica y un corazon pintado en mi pecho
Mientras que el dolor sera una daga la cual corta mi pecho donde se encontraba previamente el amor.

el video sera subido posterior a su presentación

Todos Nosotros

Todos Nosotros
Ale de la Puente ( 2005)

En la exposición fue esta la obra que mas me llamo la atención, en primer lugar porque es llamativa ante los ojos, y ya una vez apreciando y apropiándome de la obra pude interpretarla.

Para mí la obra en si quiere mostrar las diferentes facetas de una mujer en su carácter de animo, el hecho de que sean diferentes expresiones pero la misma cara, habla sobre las diversa mascaras que puede tener una mujer.

Ya mas adelante comprendí que en si no se refería solamente a esto, si no se refiere a una edad cercana a los 50, acercándose a la menopausia, donde la mujer por cambios hormonales, puede tener diverso y muy distintos días según sea su carácter provocado por esto.

Me parece interesante como lo plantea el autor, por creo que es comprensible para la mayoría del publico lo cual permite que se pueda apropiar más fácilmente de la obra.

Deriva

Deriva

Me subí a mi coche y me fui a la deriva, lo cual al principio tenia un poco de miedo pues no quería perderme. Comencé a manejar por rumbos familiares pero sin ningun sentido ni dirección alguna hasta que llegue a un lugar, ya conocido por mi previamente y decidí bajarme y anotar lo que sentía.

Ese lugar era la entrada de mi preparatoria, el Bachillerato Alexander Bain, se me hizo muy curioso que justo llegara a ese lugar, pensé que podía haber sido inconsciente, que por el miedo de no perderme tome caminos familiares y termine llegando a algo que extrañaba.

Al bajarme del coche mi primera impresión fue fría pus ya era tarde y no había movimiento alguno en la escuela, por lo que tuve una sensación bastante rara, como de un escalofrió, al recordar la escuela llena de risas y alegría.

La nostalgia fue un golpe fuerte, no entre a la escuela, pero el simple hecho de estar mirando la salida, me recordaba los momentos de finalización de clase a las 2:10 donde todos salíamos corriendo y nos quedábamos platicando con un cigarro afuera, en lo que despejábamos la mente de la presión por los exámenes.

Otro factor de sensaciones bastante curioso fue el hecho de mirar la escuela y no sentir miedo ante los directivos y el duro trabajo que tenia que hacer para graduarme, si no que me podía sentir aliviado y ver mi escuela desde otra perspectiva.

Me subí nuevamente al coche, y en el transcurso de regreso a mi casa, mi cabeza se quedo llena de recuerdos y emociones que pase en 6 años dentro del Alexander.

REFERENTE SURREALISTA
En la noción de deriva y de
Psicogeografía del entornó
Urbano situacionalita

La noción de deriva formulada por Guy Debord a los veintiún años durante el periodo de formación del grupo de la internationale Lettriste (1952), posteriormente teorizada en su conocido texto de 1956 y relacionada con un levantamiento psicogeografíco de la ciudad de París y con los juegos tiene como antecedente el deambular surrealista.

El surrealismo, surgido a partir de una aplicación poética de la psicología freudiana, extendió el descubrimiento de este método a la pintura, al cine, a determinados aspectos de la vida cotidiana.
Una de las primerísimas experiencias del deambular surrealista en el espacio real, o si se prefiere, del viaje sin destino emprendido por el mero hecho de “ver”, fue vivido en el mes de mayo de 1924 por Aragon, Breton y Morise.
Al igual por las situaciones, la ciudad más amada por los surrealistas es París.

Durante la Flanerie, la ciudad se transforma en una multifacetica y móvil intersección de encuentros, de azares, de acontecimientos no esperados, de coincidencias ilógicas que resuelven los deseos del inconsciente.
Los protagonistas de la Flanerie son la calle, populosa y moderna, el jardín público, el bar y la plaza.

André Breton, en la Clé des champú (1953), habla de nuestra distinta sensibilidad a determinados aspectos de la ciudad, aspectos que presentan de una manera oscura en forma de atracción y de repulsión. Breton prevé en este sentido, un mapa imaginario e individual de la ciudad en el que los lugares que nos gusta frecuentar estarían marcados en blanco y los que nos gusta evitar en negro, mientras que el resto, de color gris, representaría las zonas en las que la atracción y repulsión se alternan. Estas búsquedas surrealistas de interacción Psicológica con el entorno urbano, con recorridos nómadas por la ciudad, pasaron al movimiento Cobra.

Conciencia geográfica ya habían sido tratadas en el seno del movimiento Cobra, en el que se condena la arquitectura funcionalista a favor de la exaltación de las fachadas “simbolico-dinamica”.
Las manifestaciones de la vida cotidiana eran vistas por los surrealistas como el inconsciente del mundo y de la ciudad, al que está ligado el inconsciente del hombre; en su programa anticultura.

En la deriva situacionista, el paseo urbano es sistemático, con un margen de contenido de casualidad; esta dirigido por los relieves psicogeograáficos de un equipo predispuesto, por lo que se convierte en una perdida de consiente del tiempo útil. Los efectos Psicológicos y lúdicos alternados y desorientadores que desencadenan en el individuo están ligados a una observación analítica, y ecológica del entorno urbano, en su precisa estructuración morfológica, económica y social.

Los situacionistas ligan a su construcción de las situaciones. De hecho para inventar las situaciones hay que profundizar en los momentos e identificar sus instantes; es decir, transformar y descentralizar los momentos. De ello se deduce su conexión evidente entre la critica de la vida cotidiana.

Esta realización de una unité d´ ambiance que los situacionistas, con la deriva y la psicogeografía, ponían como condición esencial para las premisas del urbanismo unitario, es teorizada por Gallizio, quien afirma que hay que llevar a cabo una reevaluación de la esfera sensorial y fantástica a la que se puede llegar mediante una utópica armonización con el evolucionismo científico, a partir de un uso maravilloso de la técnica preconizado kis futuristas.
Gallizio prefigura, para una nueva humanidad, libertaria, comunitaria y socialista basada en la tecnología cibernética, donde la existencia cotidiana sea reconducida hacia una dimensión estética bajo el signo de la espontaneidad y de libertad, en un status bretoniano.

Visita al MUAC

Mi visita de museo, fue al MUAC ( museo universitario de arte contemporáneo),
el museo estaba en esta ocación en exposisiones por parte de Cildo Meireles.
Sin ánimo retrospectivo, la exposición de Cildo Meireles despliega un recorrido por la produción de este artista brasileño ( Río de Janeiro) a través de sus grandes instalaciones, dibujos y objetos, realizados entre 1967 y 2008. La obra de Meireles podrá definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad, ya que busca responder a preguntas relacionadas con todos los sectores sociales: examina los procesos de comunicación, el papel del espectador, el valor del arte y de los legados históricos. La temática en su trabajo se extiende desde la expansión del capitalismo en el ámbito internacional, hasta la cultura de los indios brasileños del Amazonas, sin responder a ninguna jerarquía de materiales o formatos. Meireles es unos de los artistas contemporáneos más reconocidos e influyentes en el ámbito internacional; su obra suele partir de un elemento concreto que se desarrolla de tal manera que lo real, lo simbolico y lo imaginario se combinan hasta encontrar el equilibrio.


La obra que mas me gusto fue la de Desvio para o vermelho( desvío al rojo, 1967-1984)
Acumulacíon y reducción extrema caracterizan Descío al rojo, una instalación en tres partes en la que el color rojo actúa como elemento vertebrador y hace que nuestra percepción del mundo se transforme y pierda su lógica visual.

Como antítesis al exceso, encontramos la reucción extrema cuya forma más intensa es la monocromía, recurso frecuente a principios del siglo XX como elemento de búsqueda del "arte purp" y que Cildo Meireles carga de simbolismo y connotaciones no-artísticas.

La obra empieza con un cuarto excedido por el color rojo, posteriormente se pasa a una especie de tunel donde la oscuridad llena el espacio, conforme se camina a travez de la oscuridad se puede seguir el sonido del agua, lo cual te lleva a un lavabo iluminado con una pequeña luz donde chorrea agua de color rojo lo cual le da cierta sencación de miedo.

Tema personal: action painting personal

Action painting es una técnica pictórica, así como el nombre del movimiento pictórico que la usa. Surge en el siglo XX dentro de la pintura no figurativa. Intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro, sensaciones tales como el movimiento, la velocidad, la energía.

Esta obra presentada es una pintura hecha por mí, es hecha a base de action painting por lo que no cree ningún boceto previo sino que simplemente en un afan de Mostar energia y movimiento decidí seguir mis instinto y pintar un cuadro con cualquier material por el cual me fuera cruzando en cuanto a pinturas y otro tipo.

El resultado me resulto atractivo, personalmente me gusto en lo que acabo porque siento que el cuadro en si tiene una buena esencia, y me sirvió como vía de expresión emocional.

Procedimiento:
Tome una cartulina encontrada en algún closet, con una esponja y colores de acrílicos azul y morado pinte el fondo de la cartulina.
Tome ciertos palos pequeños que encontré en mi cuarto y los puse sobre la obra, posteriormente rocié con aerosol plateado ciertas áreas de la obra para crear luminosidad y la falta de los palos una vez quitados.
Con colores acrílicos ( amarillo, naranja, rojo) y brochas gruesa tomaba pintura y empecé a dar brochetadas y goteo de pintura sobre la pieza.
Al final de vuelta di brochetadas pero esta vez con óleo azul y negro para crear partes con mayor textura.


Siento ya en la experiencia que el action painting es una corriente que recomiendo mucho a la gente que busca medios de expresión, porque a pesar de no ser artistas se puede encontrar una manera rápida de sacar sentimientos y plasmarlos en una obra la cual puedes posteriormente, al menos a nivel personal, apreciar.

Segunda Lectura

Lecturas

Las lecturas en si tratan sobre una relación entre los medios masivos de comunicación y el arte; la primera en un sentido de la televisión en contra del arte, la segunda habla sobre el crecimiento del Internet y las oportunidades que crea como nuevo medio.

La primera lectura empieza en cierto sentido atacando a la televisión, diciendo que solo es un medio de control de masas y poder, que atonta a la gente y no los deja pensar. Con esto no estoy de acuerdo porque la televisión produce un espectador activo no solo pasivo el cual siente e interactúa con la T.V, y puede ser persuasiva en cuanto a publicidad y campañas, pero en ningún momento rompe con el libre albedrío de la gente y logra algún control sobre la gente.
Posteriormente comenta que el Némesis por así decirlo de la T.V es el arte, porque el arte te vuelve una persona culta, pensante y critica. Estoy de acuerdo que el arte te sirve como ejercicio tanto mental como emocional, pero no por que el arte pueda producir lo dicho la televisión no lo a hecho.

La segunda lectura toma un punto de vista sobre el Internet, como el Internet continua creciendo lo cual abre un margen infinito de las posibilidades para interactuar con el medio y así con las personas alrededor de todo el mundo que reciban el medio. Creo la relación vital rescatable en cuanto a la lectura, es que, el Internet y la tecnología abren muchas puertas en el sentido de diseño y producciones, y a pesar de que la lectura no lo diga, yo lo tomo como una oportunidad para el arte, un camino que puede complementarlo y expandir el arte hacia nuevos y diferentes horizontes siempre y cuando los artistas, tales como David Lynch, se atrevan a experimentar con los medios cibernéticos.

Ya más desde mi punto de vista considero que si a lo largo del tiempo los medios han opacado el arte a sido porque el arte se lo ha permitido. Lo importante por hacer es no competir entre consumidores y buscar popularidad, porque los medios van a ganar siempre debido a la facilidad en la que llegan a un consumidor.
Pero a lo que tiene que llegar el arte moderno es a poder trabajar de manera cooperativo con los medios, no ver a la T.V como su enemigo, si no encontrar la manera de usarle el alcance del medio televisivo para difundir obras y cultura artística, incluso el poder enseñar arte a través de los medios. Y utilizar la nueva rama de oportunidades que ofrece la tecnología con el Internet, el poder no crear un dibujo, si no una reproducción de dibujos en forma de animación, que utilizando el alcance de el Internet y la televisión puede llegar a mayor numero de gente, y así llamar al espectador a buscar mayor alimentación artística.
El boom de los medios con el crecimiento del Internet es una oportunidad, una oportunidad que si el arte decide no pelar podría utilizar a favor.

Exposiciòn

Exposición arte

Propuesta:

Tratara mi exposición sobre la obra de Quentin Tarantino, Pulp fiction.
Me voy a acercar a este tema desde el punto de vista en el cual trato la obra como arte.
Esto lo lograra justificando porque es arte, acercándome a lo que es un cine de autor, y posteriormente enfocándome porque la obra es cine de autor y en si arte, es decir que características tiene que hace que esta película pueda ser denominada como cine de arte.

La estructura de mi trabajo empezara con explicar lo que es el cine de autor, y porque es arte, luego hablare brevemente sobre la vida del autor que quiero tratar, Quentin Tarantino, luego mi enfoque se dirigirá hacia la obra tratada, lo cual es el punto principal de mi trabajo, PULP FICTION.
Ya para el final de mi trabajo la importancia cae sobre la conclusión en el cual busco una conexión entre todo lo tratado; Pulp fiction como cine de autor de tarantino, y porque si es cine de autor y arte.

Justificación:

-Siempre me ha encantado el cine de tarantino, pero su cine puede ser considerado en cierto sentido también muy comercial, por lo que quiero desmentir esto y mostrar mi persepectiva sobre como lo veo como arte, y poder justificarlo en mi trabajo.

-En el arte el cine es el area que mas me gusta tratar, por lo cual un trabajo sobre este tema me motiva a trabajar a profundidad, y conseguir el mejor resultado posible en transmitir mis ideas e investigación.




















Ganar la palma de Oro es un gran paso. Cuando me tiren piedras porque mis películas son violentas o por lo que sea, de algún modo ahora me protegerá la Palma, diciendo algo así: Me estas malinterpretando. Lo mío no trata solo de lo que decís. Trata también sobre otras cosas


Cine de autor y arte

El cine arte cuenta con una mayor libertad creativa, mostrando temas controversiales o dramáticos, resultando a veces difíciles de entender, puesto que pueden tratar acerca de sentimientos, pensamientos o sueños, intentando emular una realidad interior, resultando muy subjetivo. Por estos motivos, el cine arte tiende a ser considerado una identificación utilizada para denominar al cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director pueda imprimir en ellas y es de alguna forma la visión del director su principal característica.


A lo largo de los años en la vida cinematográfica ha existido la cuestión de que es un cine de autor, puesto que toda obra fílmica debe tener un autor, pero no toda película es parte de lo que se considera como un cine de autor. ¿Será el autor quien inicio un proyecto con la simple idea o un escrito, o será quien tomo ciertas decisiones quien se le considerara el autor?

La expresión “Cine de Autor” trae consigo múltiples problemas de interpretación, debido a que por una parte invita al pensamiento autentico de que el autor tiene un desarrollo lineal en su carrera, lo que lo hace predecible en relación a sus trabajos anteriores y por el otro lado la expresión agrupa a ciertos cineastas como los que trabajan fuera de grandes casas y producciones cinematográficas, es decir buscan una producción independiente.

El cine de autor será entonces en el que el director tendrá un papel preponderante al basarse normalmente en un guión propio; no realizará su cine en presión de productoras mayores y estudios comerciantes si no que el autor tendrá la libertad de plantear en su trabajo sus sentimientos, emociones y pensamientos. Podemos identificar con facilidad un cine de autor por sus rasgos típicos y estilo que imprime en sus obras.


TARANTINO:

Quentin Jerome Tarantino nació en Knoxville, Tennesee en marzo 27. Sus padres tan solo eran de 21 y 16 años, su padre estudiaba derecho y su madre enfermería.
Su nombre Quentin viene de un personaje de la serie televisiva del oeste “Gunsmoke”

Tarantino al terminar la secundaria deja los estudios y empieza a trabajar de acomodador en un cine porno. En 1985 empieza a trabajar en un videoclub conocido como el Video Archive de Manhattan Beach.
Fue en el videoclub donde Quentin obtuvo sus grandes y amplios conocimientos en el mundo cinematográfico, aquí también fue donde conoció a Roger Avary amigo con el cual trabajaría posteriormente, y al productor John Lavengley.

PULP FICTION:

La idea de Pulp Fiction salio entre Roger Avary y Quentin Tarantino, ellos querían hacer un film de tres historias de humor negro estilo las historias pulp. La idea primeriza fue la de que se dirigiera entre diversos directores pero debido a que terminaría uno destacando mas se descarto la idea tal como fue en el caso cuando dirijo en conjunto de Robert Rodríguez y entre otros directores la película de humor negro Four Rooms.

Para 1993 Tarantino termino el guión y empezó a filmar, le costo a Miramaz ocho millones de dólares filmar la película, la cual triunfó tanto a nivel critico como comercial. Sin duda Pulp Fiction es la película con la que mas se ha dado a conocer y por ello le a dado desde entonces una posibilidad de un cine en el cual puede hacer lo que quiera sin importar si al publico le gusta o no aunque a su suerte siempre a sido del gusto popular.
Recibió un Oscar a mejor guión y nominación a mejor película a parte de la Palma de Oro en el festival de Cannes.





PULP FICTION COMO CINE DE AUTOR

Quentin Tarantino es el director de dicha película, es con un poco de ayuda de Roger Avary el guionista, y le da un estilo particular y singular de autor lo cual es un elemento básico

“Son tres películas por el precio de una”

Le da su propio estilo de violencia y cine negro por el cual se le es conocido y caracterizado. Utiliza a actores con los cuales trabaja en varias de sus películas así como Samuel L. Jackson, Uma Thurman, John Travolta y Bruce Willis.

Tarantino al igual que en “Reservoir Dogs” utiliza principalmente escenarios típicos americanos así como cafeterías para que el espectador pueda identificar su cultura e la pantalla y crear un vinculo inconsciente con la violencia que el autor presenta, y el hecho de que caracterice su región con su obra es otro elemento del cine de autor.

Otro Aspecto peculiar que Quentin imprime es el hecho de que toma elementos de otras películas ( del gusto de Tarantino) Un ejemplo en el caso de Pulp Fiction es una escena en la que la toma imita una de la película PSICOSIS de Alfred Hiychock. Tarantino también incluye falsos gazapos, es decir que cuando una escena se repite en diversas partes de la película le gusta hacer pequeños cambios del orden de las palabras en una manera de burlarse del espectador, cosa que hace también en Reservoir Dogs.

imprime a esta y al resto de sus películas música de su agrado, un humor negro muy peculiar de su parte en el cual se ríe de la sociedad, sin duda alguna logra imprimir su estilo, emociones y burlas dándole una firma que según lo que e investigado es el punto del cine de autor, y ya que este cineasta logra transmitir su critica ante la sociedad y sellar su obra con su propio estilo, presenta elementos suficientes para ser considerado cine de autor.


Bibliografía:

1. Consideraciones acerca de un posible cine de autor en el sexenio de Echeverría, Tesis, Universidad Iberoamericana, Paola garcia Luna, Raquel Castelazo y Valeria Maya Rocha, México D.F, 2003

2. La Era de la Reproductividad Técnica, Walter Benjamín

3. Pulp Fiction, tres historias sobre una misma historia, Quentin Tarantino, Traducción de José Manuel Pomares. Ed. Mondadadori, Barcelona 1995

4. Pulp Fiction, Quentin Tarantino, Miramax Films, (video)

Arte clasico

El Arte clásico y la Cultura clásica, o la Civilización clásica, son los nombres con que se designan las producciones intelectuales de la Antigüedad clásica o greco-romana (Antigua Grecia, Antigua Roma, aunque diversas, fuertemente identificadas entre sí). Sus artes y cultura en el Renacimiento fueron consideradas clásicas, es decir, dignas de imitación (mímesis), como todo lo que es classicus (en latín: perteneciente a una clase, particularmente a una clase superior respecto de otra inferior), o sea, lo que debe tomarse como modelo por ser de calidad superior. Tales fueron el Arte griego y el Arte romano, o bien la cultura grecorromana, concepto que engloba a la cultura griega o helénica y a la cultura romana (mientras que los conceptos de cultura helenística y cultura latina tienen un significado propio).

La palabra “clásico” produce en nosotros cierta impresión de frío. Sentimos que nos arrastra del mundo vivo y multicolor al espacio vació donde solo viven esquemas, no personas de sangre roja y caliente, pero el arte clásico es el sentido resuelto de la realidad, la ingenuidad de la mirada y la sensibilidad.
Capta en su escénica la escena que se nos presenta con todo su efecto sobre el entorno, tal como tuvo que ocurrir.
El arte clásico no nos ha dejado ningún monumento de gran estilo en el que la arquitectura y la escultura coinciden en expresión pura, y la obra principal de la arquitectura en la que se concentraron todas las fuerzas, San Pedro de Roma, no pudo ser un monumento de Alto Renacimiento.
Podríamos comparar el arte clásico con la ruina de un edificio nunca terminado del todo, cuya forma original hubiera de completarse con fragmentos muy dispusos y tradiciones incompletas; y quizás no sea tan equivocada la afirmación de que, toda la historia del arte italiano, ninguna época es menos conocida que el siglo de oro.(arte clásico).

El arte clásico surge desde el clásico greco-romano y posteriormente será retomado en el renacimiento como modelo a seguir.




Ejemplo:

“La escuela de Atenas” Rafael

Frente a la teología encontramos la filosofía, la investigación terrenal. El fresco se titula “ La escuela de Atenas”, pero el nombre como el de la diputa, el motivo principal son los dos principales de la filosofía, Platón y Aristóteles que discuten rodeados de su auditorio. Cerca de ellos Sócrates con su propio circulo pone en maravilla su juego de preguntas, y enumera las hipótesis con los dedos.

En todo el todo el arte antiguo no hay nada semejante en modo alguno a estos sistemas de múltiples miembros. El grupo de los geómetras resuelve un problema formal que muy pocos se han planteado siquiera: único de personas dirigidas hacia un punto desarrolladas con toda claridad completamente puras. En los frescos en este clase de pintura a algo que se le da gran importancia también es a los espacios.

lectura

Fernando Márquez Hill

La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica.

El texto comienza hablando sobre la imitación de el arte hoy en día; toma como ejemplo como en la enseñanza del arte se aprende imitando ciertas obras a base de reproducir su técnica, y hay gente que llega a tal nivel de poder hacer esto que incluso la reproducción llega a tener gran valor.
Pero el texto comenta en si en su gran parte como las limitantes por así decirlo del poder imitar.
En si comenta que cada obra tiene cierto aura, por como yo lo entiendo se refiere a su esencia, y mientras más única sea, más difícil será de poder imitar en si la obra.
Cada obra es hecha en un diferente contexto y con un diferente propósito ante el espectador, es decir, por ejemplo, las pinturas rupestres no surgen como arte en si, si no con el propósito de contar historias desde su visión, el imitador puede reproducir la técnica pero en si no va a llegar a reproducir la escénica debido a que el imita la pintura no su contexto lo cual es imposible de replicar.
Y el autor en si pinta en un diferente espacio copiando diferentes cosas, mientras que el imitador copia en si directamente la pintura si estar presente en las emociones ni la imagen que plasma la original.

Luego el autor también habla sobre la fotografía y el cine como arte actual; comenta que estos son aun mas difíciles de imitar, porque en si la fotografía surge como retrato exacto de un momento o un retrato, y si una persona cambia, y la emoción en cierta fotografía, junto con otros factores en cuanto a luces, a pesar de poder imitar la técnica no se puede imitar la foto en si. Y es el mismo caso con el cine.

También pone una comparación entre la actuación de cine y la actuación de teatro, ya que la actuación de cine es sometida ante una cámara y es mucho mas técnica, y la teatral tiene mucha mas vida ya que es sometida ante un publico en momento.

Al final el autor habla sobre la calidad del arte, que mientras mas en si crecen las masas la calidad debe de subir pues hay mas gente que puede hacer arte. Es calidad sobre cantidad pero mientras mas cantidad exista es mas fácil poder encontrar una entre tantas algo de calidad, sobre todo lo podemos notar en industrias de arte creciente como el cine.

Movimiento en Santa Fe

Esta foto la tomo yo, es la vista desde mi casa de santa fe, he intento expresar especialmente todo el movimiento se la ciudad que se siente cada vez que miro por la ventana hacia mi escuela la Universidad Iberoamericana.

La foto la tome cerrando la apartura bastante y dejando el lente abierto para que se grabara el movimiento y las luces en los coches.

Presentación

Soy Fernando E. Márquez Hill; nacido en México D.F donde vivo actualmente.

Estudio comunicación por la gran pación que siento ante los medios y las relaciones publicas, me gustaría poder dedicarme al cine, publicidad o relaciones publicas.

Siempre me he considerado una persona muy abierta y amigable, donde lo que mas me gusta es estar con mis amigos y conocer gente nueva. Disfruto de salir al cine, a bailar o simplemente relajarme con amigos. Me encanta viajar por el mundo y por ende intento hacerlo lo más posible.

En mis tiempos libres toco la guitarra, miro televisión y películas, leo un buen libro o paso un rato en Internet.
Entre mis bandas y artistas favoritos se encuentran Los Beatles, John Mayer, Michael Jackson, Mika, Molotov, Queen, Sin Bandera, entre otros.
Mis cineastas favoritos son Quentin Taranrino, Woody Allen, Dany Boyl, Gus VanSant y Alfonso Cuarón.
Mis pintores favoritos; Pollok, Andy Warhol, Kandinsky y Pablo Picasso.
Los países que tengo el placer de conocer son México, E.U.A, Canada, Argentina, Uruguay, Holanda, Bélgica, Francia, Italia, España, Monaco, Republica Checa, Israel y Japón.

Gran parte de mi vida también es C.I.S.V ( children internacional summer villages), una organización que a través de campamentos alrededor del mundo promueve valores como la paz, interacción intercultural, tolerancia, entre otros; formo parte de esta organización desde que tengo 11 años de edad y sigo en ella cada vez mas involucrado.

Trabaje 3 meses en una agencia de publicidad, en el area de planeación, y trabaje de modelo una vez para un catalogo que promueve vacaciones en la playa.

Sin mas que decir espero que disfruten mi blog y todo mi trabajo que estaré subiendo